Notas del Programa Imani
El quinteto Imani Winds, ganador de un GRAMMY, se une a Agarita para una poderosa velada colaborativa con la reconocida poeta Naomi Shihab Nye y la bailarina contemporánea Tanesha Payne de la compañía de danza sumRset, en el Diane Bennack Concert Hall de la UIW. Esta reunión de artistas promete ser un épico cierre de temporada.
Imani Winds
Patrocinada por el Russell Hill Rogers Fund for the Arts
CON LA PARTICIPACIÓN DE
Isabelle Ai Durrenberger, Violín | Jeremy McCoy, Contrabajo
Tanesha Payne, Danza | Naomi Shihab Nye, Poesía
PROGRAMA
Aaron Copland | Appalachian Spring | Introducción de los personajes | Desarrollo de la acción
Maurice Ravel | Le Tombeau de Couperin | Preludio | Minueto | Rigaudon
Reena Esmail | Saans
Julia Woolfe | Blue Dress for String Quartet
David Lang | sweet air
Mark Dover | I am, Here Now!
Valerie Coleman | Red Clay & Mississippi Delta
Aaron Copland | Appalachian Spring | Reaparición de la introducción | Tema shaker: "The Gift to Be Simple" y variaciones | Coda
Stevie Wonder, arr. Mark Dover | Overjoyed
Donnie Hathaway, arr. Mark Dover | Someday We’ll All Be Free
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Biografía
Imani Winds es la ganadora del GRAMMY® 2024 en la categoría de Compendio Clásico por “Passion for Bach and Coltrane” de Jeff Scott, lanzado bajo su recientemente creado sello discográfico, Imani Winds Media.
Celebrando más de un cuarto de siglo de trayectoria musical, este quinteto de vientos nominado cuatro veces al GRAMMY® ha liderado tanto una revolución como una evolución dentro del formato, a través de su interpretación dinámica, programación innovadora, colaboraciones imaginativas y actividades de divulgación que han inspirado a públicos de todas las edades y orígenes.
Su repertorio abarca tanto obras tradicionales de música de cámara como composiciones recientemente encargadas a figuras icónicas y nuevas voces que reflejan la realidad actual.
Entre sus proyectos recientes y próximos se incluyen un nuevo doble quinteto de Arturo Sandoval con Boston Brass; una obra de Jessie Montgomery inspirada en la migración de su bisabuelo del sur al norte de Estados Unidos; y una pieza de Carlos Simon que celebra a figuras emblemáticas de la comunidad afroamericana. Estas obras encargadas forman parte del ya consolidado Legacy Commissioning Project. Su undécimo álbum de estudio, “BeLonging”, creado junto a Andy Akiho y lanzado en junio de 2024, aborda la problemática del encarcelamiento masivo y está nominado a los GRAMMY® 2025.
Con 27 temporadas de giras a tiempo completo, Imani Winds ha actuado en prácticamente todas las principales series de música de cámara, centros de artes escénicas y festivales de verano en EE. UU., incluyendo presentaciones en Carnegie Hall, Lincoln Center y el Kennedy Center, así como en festivales como Chamber Music Northwest, Chautauqua Institution y Banff Centre.
El quinteto organiza residencias cuidadosamente diseñadas que incluyen conciertos, talleres y clases magistrales para miles de estudiantes cada año, en instituciones como la Universidad de Chicago, Eastman School of Music y la Universidad de Duke.
Su presencia internacional abarca conciertos en Asia, Brasil, Australia, Inglaterra, Nueva Zelanda y Europa.
En 2021, Imani Winds fue nombrado el primer quinteto de vientos en residencia en la historia del Curtis Institute of Music. Su compromiso con la educación es profundo, como lo demuestra el Imani Winds Chamber Music Festival, fundado en 2010, un programa veraniego centrado en la excelencia musical y el desarrollo profesional de jóvenes instrumentistas y compositores. El currículo incluye mentorías, clases magistrales, talleres de emprendimiento, actividades comunitarias y conciertos, con el objetivo de formar músicos completos y ciudadanos globales.
En 2019, el grupo expandió aún más su misión con la creación de la organización sin fines de lucro Imani Winds Foundation, que apoya, conecta y amplía sus iniciativas.
Su incursión en el mundo del jazz se destaca por colaboraciones con músicos y compositores legendarios como Wayne Shorter, Paquito D’Rivera y Jason Moran. Su ambicioso proyecto Josephine Baker: A Life of Le Jazz Hot! con la cantante de jazz René Marie fue ovacionado en ciudades como Nueva York, Pittsburgh, San Francisco, Los Ángeles y St. Louis.
En 2021, lanzaron su noveno álbum de estudio, “Bruits”, bajo el sello Bright Shiny Things Records, el cual recibió una nominación al GRAMMY® 2022 como “Mejor Interpretación de Música de Cámara/Pequeño Ensamble.” La revista Gramophone comentó: “la química del ensamble arde con convicción en todo momento.”
Imani Winds ha grabado con Koch International Classics y E1 Music, incluyendo su grabación nominada al GRAMMY® 2006, The Classical Underground. También han grabado para Naxos y Blue Note, y publicaron una aclamada versión del “Rito de la primavera” de Stravinsky con Warner Classics. Son frecuentemente escuchados en plataformas como NPR, American Public Media, la BBC, SiriusXM, The New York Times y The Wall Street Journal.
Uno de los reconocimientos más significativos para Imani Winds es su presencia permanente en la sección de música clásica del Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana del Smithsonian, en Washington D.C.
Con la participación de
La violinista estadounidense Isabelle Ai Durrenberger es elogiada por sus interpretaciones imaginativas e impactantes, así como por su capacidad para comunicar con una profunda sensibilidad artística. Actualmente radicada en la ciudad de Nueva York, Isabelle ha sido recientemente nombrada primer violín del reconocido Aeolus Quartet y fue becaria del programa Ensemble Connect de Carnegie Hall durante el periodo 2023-2025.
Apasionada de la música de cámara, Isabelle es reconocida a nivel nacional por su enfoque colaborativo único. Su temporada 2024-2025 incluye presentaciones tanto solistas como colaborativas con instituciones como la Boston Chamber Music Society, Jupiter Chamber Players (NYC), Orpheus Chamber Orchestra en Carnegie Hall (NYC), The Knights (NYC) y la orquesta de cámara sin director nominada al GRAMMY, A Far Cry (Boston).
En 2022, finalizó sus estudios de posgrado en el New England Conservatory de Boston, donde estudió con Soovin Kim y Don Weilerstein. En los últimos veranos, ha participado en festivales de música de cámara como Marlboro Music Festival, Lake Champlain Chamber Music Festival y Four Seasons Spring Workshop.
Isabelle también disfruta explorar la música a través de la enseñanza: tiene un estudio privado de violín en Nueva York y forma parte del profesorado de violín en la escuela preparatoria del New England Conservatory en Boston, donde imparte clases de violín y dirige ensambles de música de cámara.
Nacido en Toronto y criado en Ottawa, Canadá, Jeremy McCoy recibió su primera formación musical como pianista y como niño cantor. Descubrió el contrabajo en la escuela secundaria y, durante sus años de bachillerato, estudió de forma privada con David Currie. Pasó sus veranos en Interlochen y en la Orquesta Juvenil Nacional de Canadá, donde recibió clases y entrenamiento orquestal de Oscar Zimmerman, Winston Budrow y Thorvald Fredin.
Con el apoyo del Consejo de las Artes de Canadá, Jeremy continuó sus estudios en el Curtis Institute of Music con Roger Scott, obteniendo el título de Bachelor of Music. Durante su tiempo en Curtis, la orquesta del instituto realizó una gira por Europa y se presentó bajo la dirección de los legendarios Leonard Bernstein y Sergiu Celibidache. Otro momento destacado de su formación fue actuar como contrabajista principal de la Orquesta de Cámara Canadiense bajo la batuta de Klaus Tennstedt. A los veinte años, Jeremy ganó una plaza en la Orquesta del Centro Nacional de las Artes de Canadá. Al año siguiente, se incorporó a la Orquesta del Metropolitan Opera. Durante 35 temporadas, participó en más de 5,000 funciones en el Met bajo las direcciones de James Levine y Yannick Nézet-Séguin, así como con directores invitados como Carlos Kleiber, Kirill Petrenko, Seiji Ozawa, Riccardo Muti, Daniele Gatti, Simon Rattle, Christian Thielemann, Daniel Barenboim, entre otros. Se retiró de su puesto como asistente de contrabajo principal en mayo de 2020.
Además de su carrera orquestal, Jeremy ha ofrecido recitales en el Lincoln Center, CBC Radio y la International Society of Bassists. Ha sido solista con orquestas como Atlantic Chamber Orchestra, Louisiana Philharmonic, Classical Tahoe, Ottawa Symphony Orchestra y Musica Viva of New York. Como músico de cámara, ha colaborado con integrantes de los cuartetos Arditti, Borodin, Cleveland, Emerson, Guarneri, Juilliard y Tokyo, entre muchos otros artistas destacados. Ha participado en festivales como Marlboro, Mostly Mozart, Rockport Music, Banff, Classical Tahoe, Kneisel Hall, Grand Tetons, Bowdoin, Festival Napa Valley, Close Encounters with Music, Lincoln Center Festival, Affinis Festival (Japón), Appalachian Summer Festival, Ottawa International Music Festival, Music and Beyond, Music Festival of the Hamptons y Cooperstown Chamber Music Festival.
Con los grupos de música contemporánea de Nueva York Speculum Musicae, Sequitur y Ensemble Sospeso, Jeremy ha estrenado numerosas obras y grabado piezas de maestros modernos como Elliott Carter, David Del Tredici y Thomas Adès.
Ha participado en grabaciones sinfónicas y operísticas —varias de ellas galardonadas con premios GRAMMY— para sellos como Deutsche Grammophon, Sony, London-Decca, Philips, Erato y CBC Records, así como en grabaciones de cámara para Koch Classics, Albany, Naxos, CRI, Mode Records y Concord Jazz. Como músico de estudio, ha sido contrabajista solista y líder de sección en bandas sonoras de múltiples películas y ha grabado para artistas populares como Bruce Springsteen, David Byrne, Lou Reed, Sting y Natalie Merchant. Sus dos discos como solista han recibido elogios tanto del público como de la crítica: Dialogues with Double Bass (Bridge Records, 2005) y Baroque Legacy (MSR Classics, 2012), con las sonatas para viola da gamba de J. S. Bach.
Aunque residió muchos años en Nueva York, donde impartió clases en instituciones como Manhattan School of Music, Bard College Conservatory, Cali School of Music en Montclair State University, Columbia, Penn State, Queens College (CUNY), la Orquesta Juvenil Nacional de Canadá y el Bowdoin International Music Festival, ahora vive en San Antonio, Texas. Allí enseña de forma privada y actúa tanto local como internacionalmente. Sus estudiantes, tanto institucionales como particulares, ocupan puestos en orquestas de América del Norte, Europa, Australia y Asia Oriental, y han hecho carrera en la educación musical universitaria y escolar.
Jeremy interpreta con un instrumento excepcional del laudero veneciano Domenico Busan, además de contrabajos de Alfred Meyer (Markneukirchen, Alemania) y Tetsu Suzuki (Cremona, Italia). Utiliza cuerdas de la marca Pirastro.
Como artista del movimiento radicada en San Antonio, Texas, Tanesha Payne (ella/elle) se dedica a interpretar, crear, enseñar y defender todo lo relacionado con la danza. Es fundadora y directora artística de sumRset Dance, una compañía profesional de danza contemporánea con sede en el condado de Bexar. Tanesha obtuvo su licenciatura en Estudios de Danza (BFA) en Texas State University y se graduó Summa Cum Laude con una maestría en Coreografía (MFA) de Jacksonville University.
Recientemente, fue galardonada con una Beca para Artistas Individuales en el ciclo 2024, completó su segundo año como artista docente de Wolf Trap y actualmente se desempeña como Artista en Residencia en San Antonio.
Naomi Shihab Nye fue la Poeta Laureada de Literatura Juvenil de los Estados Unidos (Poetry Foundation) de 2019 a 2022 y editora de poesía de The New York Times Magazine en 2019 y 2020. Ha sido escritora invitada en cientos de espacios durante muchos años y actualmente forma parte del cuerpo docente de Texas State University.
Entre sus libros más recientes se encuentran The Turtle of Michigan, The Turtle of Oman, Dear Vaccine (como coeditora), The Tiny Journalist, Everything Comes Next (poemas seleccionados y nuevos), Cast Away (poemas sobre la basura) y Voices in the Air – Poems for Listeners.
Notas del Programa
Aaron Copland (1900–1990) tuvo una carrera increíblemente diversa como compositor, pianista, director, crítico, educador y mucho más, convirtiéndose en el compositor estadounidense más respetado del siglo XX. Aunque su estilo evolucionó considerablemente —llegando incluso a incorporar técnicas atonales y serialistas influenciadas por Arnold Schoenberg—, su música más popular y perdurable surgió durante las décadas de 1930 y 1940. Obras como (Billy the Kid, Rodeo, Fanfare for the Common Man y Appalachian Spring), caracterizadas por armonías accesibles, melodías folclóricas estadounidenses y texturas cercanas, ayudaron a forjar su legado como el compositor que mejor encarnó el “espíritu americano”. Appalachian Spring fue originalmente concebida como un ballet para Martha Graham y su compañía, pero la música ha trascendido el ámbito coreográfico, especialmente en su versión más concisa para 13 instrumentos (esta noche, se interpreta en una versión aún más reducida). La majestuosa introducción —amplia y abierta— junto con un llamado a la acción lúdico y exuberante, sumergen al oyente de inmediato en el colorido universo musical de Copland. Sin embargo, el verdadero tesoro de la obra son las variaciones sobre el tema Shaker “Simple Gifts”, que florecen de forma tan orgánica que es probable que uno desee volver a escucharlas minutos, meses o incluso años después de este concierto.
El compositor francés del siglo XX Maurice Ravel (1875–1937) creó una música que combina una vulnerabilidad conmovedora con una estructura impecable. Obsesionado con la claridad formal y el equilibrio textural, no es de extrañar que un homenaje al compositor barroco del siglo XVIII François Couperin le resultara tan adecuado. Sin embargo, Le Tombeau de Couperin es un doble homenaje. Profundamente marcado por sus horrendas vivencias durante la Primera Guerra Mundial, Ravel dedicó la obra a un compañero de armas fallecido. A lo largo de estas danzas barrocas alegres y joviales se entrelazan capas de inocencia trágica; hay un dolor oculto en la belleza, y muchas veces los pasajes en tonalidades mayores son los que más lágrimas contienen. Ravel fue tan admirado como orquestador como lo fue como compositor, y su orquestación de Le Tombeau —originalmente para piano solo— suena como una obra completamente nueva gracias a su instrumentación única y cautivadora. Como escribió un alumno de Ravel: “Esta metamorfosis de piezas para piano en obras sinfónicas era un juego para Ravel, un juego llevado a la perfección, de tal forma que la transcripción superaba el encanto del original” (Alexis Roland-Manuel). Por ello, resulta aún más impresionante que el clarinetista y compositor australiano Paul Dean haya logrado capturar la elegancia profunda y la claridad contrapuntística de Le Tombeau en su reciente arreglo para quinteto de viento, cuarteto de cuerdas y contrabajo.
Reena Esmail (n. 1983) es una compositora indoestadounidense cuya refrescante voz musical habita un espacio liminal. A menudo fusiona los sonidos abiertos e improvisatorios de los ragas y otros estilos modales con estructuras clásicas más tradicionales, creando obras poéticas, ricas e invitantes a la reflexión. Sobre su obra Saans (“Aliento”), escribe:
En los últimos años, me he dado cuenta de lo profundamente inspirada que me siento para componer música por las personas para quienes la escribo. Siempre me ha parecido tan conmovedora y romántica la historia de la Sonata para violín de César Franck como su música misma: Franck escribió la sonata para Ysaÿe y su esposa como regalo de bodas, y ellos la interpretaron por primera vez durante la ceremonia, leyéndola a primera vista. Es una de mis obras favoritas de todos los tiempos, y el amor y la intención con los que fue escrita resuenan profundamente en su música.
Mientras terminaba mi Concierto para clarinete para la Albany Symphony en abril, también planeaba mi viaje a París para la boda de una de mis amigas más cercanas, Suzana Bartal. Como las dos únicas mujeres en nuestra generación del programa de doctorado en Yale, nos apoyamos incondicionalmente en los momentos más difíciles, celebramos juntas nuestros logros y desarrollamos una amistad profunda y duradera. Al escribir mi último encargo de la temporada, me di cuenta de que el movimiento lento de mi Concierto para clarinete podía transformarse en un trío con piano como regalo de bodas para Suzana y su esposo Eric. Suzana es una pianista de concierto de clase mundial, y una de sus especialidades es tocar tríos con piano. Nuestra historia terminó un poco diferente a la de César Franck: mientras yo estaba en la boda de Suzana y Eric, este trío, en una asombrosa coincidencia, se estrenaba en Los Ángeles el mismo día. Aunque fue interpretado al otro lado del mundo, me alegró profundamente saber que lo tocaban algunos de mis amigos más queridos en Los Ángeles.
Un hermoso añadido a esta historia: dos años después, Suzana interpretó este trío por primera vez en Estados Unidos en un concierto en el Wallis Annenberg Center for the Performing Arts en Beverly Hills, CA, junto al violonchelista Peter Myers y el violinista Vijay Gupta. Y al día siguiente, Vijay y yo nos casamos. Me encanta que esta pieza haya tenido un papel central en las bodas de ambas.
Blue Dress de la compositora estadounidense Julia Wolfe (n. 1958) es una representación poderosa de su distintiva voz compositiva. Su música tiende hacia lo minimalista en estructura, con patrones repetidos que se intensifican gradualmente y se desarrollan en complejidad a lo largo del tiempo. A menudo cruda e intensa, cada nota en sus obras está impregnada de intención y propósito. Sobre su enérgica pieza Blue Dress, Wolfe escribe:
Mi amor por la música folk estadounidense floreció en los años 80 cuando vivía en Ann Arbor, Michigan. Ann Arbor es una ciudad con una gran tradición folk y músicos asombrosos de todo tipo. Empecé a tocar el mountain dulcimer y a acompañarme cantando. Aprendí a tocar los bones, guitarra folk, y ayudé a un constructor de instrumentos a fabricar psaltries. Muchas de mis composiciones hacen referencia a canciones populares, como Four Marys (para cuarteto de cuerdas) y Cruel Sister (para orquesta de cuerdas). Para los Bang on a Can All-Stars escribí Steel Hammer (una deconstrucción de la balada de John Henry) y Reeling (con mouth music canadiense). En Blue Dress, para cuarteto de cuerdas, mis raíces folk se manifiestan plenamente con pasajes de fiddle, fragmentos de canciones, tarareos y arcos que se hunden profundamente en las cuerdas. La obra fue inspirada por una grabación de campo de una mujer cantando “pretty little girl with a blue dress on.”
David Lang (n. 1957) es un compositor estadounidense galardonado con el Premio Pulitzer y cofundador del colectivo musical Bang on a Can, con sede en Nueva York. Afín estilísticamente a su colega Julia Wolfe, su música se caracteriza por una estética cruda, minimalista, accesible en su tonalidad y experimental en su instrumentación, todo ello con un guiño de ironía y juego. Sobre su obra sweet air, Lang escribe:
Durante una visita al dentista, a mi hijo mayor Isaac le administraron gas hilarante. El dentista lo llamó sweet air, un nombre suave para quitarle el miedo a un empaste. Funcionó. Mi hijo experimentó algo—una droga—tan reconfortante que lo hizo ignorar cualquier señal de incomodidad. Esto me pareció, de algún modo, musical. Uno de los roles tradicionales de la música siempre ha sido calmar la inquietud. Debo decir que nunca me ha interesado demasiado explorar ese rol. Es mucho más fácil consolar al oyente que mostrarle por qué podría necesitar consuelo. Mi pieza sweet air intenta mostrar un poco de ambos. En sweet air, fragmentos musicales simples y suaves flotan, dejando una ligera neblina de disonancia a su paso.
Valerie Coleman, exflautista y miembro fundadora del aclamado quinteto Imani Winds, se ha consolidado como una de las compositoras más destacadas de nuestro tiempo. Recientemente fue nombrada profesora del Departamento de Composición en la Juilliard School. Su música es conocida por sus melodías y ritmos inspirados en el folclore, con una energía contagiosa que cautiva al oyente. Sobre su breve pero potente obra Red Clay & Mississippi Delta, Coleman escribe:
Red Clay es una obra corta que combina la idea tradicional de un scherzo musical con la experiencia de vivir en el sur de los Estados Unidos. Hace referencia al origen de la familia de mi madre, que proviene de la región del delta del Misisipi. Desde los “juke joints” y los barcos-casino que bordean el río, hasta el tono oscuro de piel de los parientes de la zona—una piel que parece hecha del mismo barro rojo. Las líneas solistas están llenas de personalidad, diseñadas para captar la atención del oyente con riffs “blueseros” que gimen, mientras el resto del conjunto las acompaña (“comping”). El resultado es una obra de cámara virtuosa que fusiona la técnica y la orquestación clásicas con el dialecto y el encanto del blues sureño.
Mark Dover (n. 1987), clarinetista de Imani Winds desde 2016, es reconocido como uno de los clarinetistas más versátiles de la actualidad. Su dominio del instrumento se extiende desde improvisaciones sobre cadencias de Mozart hasta solos en clubes de jazz neoyorquinos y colaboraciones con bandas de funk como Vulfpeck, siempre junto a los músicos más respetados en cada género. Aunque su carrera como clarinetista abarca una infinidad de proyectos, en los últimos años Dover también ha ganado notoriedad como productor y arreglista. Agarita se enorgullece de presentar el estreno de un nuevo arreglo comisionado a Dover especialmente para este concierto: Someday We’ll All Be Free de Donny Hathaway. Al igual que su celebrado arreglo de Overjoyed de Stevie Wonder, esta versión mantiene el alma, el espíritu y el estilo del original, pero con una instrumentación clásica que destaca especialmente al cornista Kevin Newton, de Imani Winds, cuya habilidad vocal Dover ayudó a revelar. Además, su obra original para clarinete bajo y piano, I Am, Here Now, fue compuesta en un momento de dificultad personal. El título proviene de un mantra que lo ayudó a mantenerse presente y centrado. Con una melodía sencilla y armonías sobrias, Dover construye una pieza de gran profundidad emocional, cuya narrativa introspectiva y expresión lírica dejan una huella imborrable.